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二十一世紀古典音樂

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廿一世紀古典音樂是自2000年以來，在當代古典音樂的傳統下的藝術音樂（英語：Art Music）。

有部份音樂元素從上世紀保留下來，包括後現代主義（英語：Postmodern music）、多元風格主義（英語：Polystylism）和折衷主義（英語：Eclecticism in music），它們試圖融合所有音樂風格的元素，不管這些元素是否「古典」——這些努力代表着各種音樂類型之間鬆散的區分。重要的影響包括搖滾樂、流行音樂、爵士樂和與之相關的舞蹈傳統。21世紀中另一個值得關注的改變，是古典音樂與多媒體的結合；其中互聯網和相關技術是這方面的重要資源。另一方面，社會對女性作曲家（英語：List of female composers by birth date）的觀點亦續漸改變。

廿一世紀的音樂

就如二十世紀古典音樂一樣，「廿一世紀古典音樂」完全是由曆法來定義的，它並非指音樂史上的歷史風格時期（巴洛克和浪漫主義音樂就是這樣定義的），而是指自2000年以來寫成的所有藝術音樂。音樂學家普遍認為現時正處於當代音樂時期，涵蓋了1945年[1]（另有1975年一說[2]，取決於歷史學家的觀點）之後的作品。

歷史

在20世紀時，作曲家們開始尋找更廣泛的靈感來源，並發展出各式各樣的技巧。德布西迷上了一個越南戲劇團（英語：Theatre of Vietnam）和一個爪哇甘美蘭樂團的音樂，作曲家受到其他文化音樂的影響亦越來越多。荀白克和第二維也納樂派發明了十二音技法和序列音樂。華夏斯、史托克豪森和澤納基斯幫助開創了電子音樂。爵士樂和西方流行音樂不論對藝術音樂的影響，還是在各自的流派都變得越來越重要。拉蒙特·揚對行為藝術進行了嘗試；約翰·凱吉將《易經》應用到他的音樂中；而斯蒂夫·萊奇和菲利普·格拉斯則發展出極簡主義。隨着時間的推移，音樂的風格亦變得越來越多樣化[3]。

這種趨勢一直持續到21世紀：2009年，BBC音樂雜誌採訪了10位作曲家，其中大部分是英國人（包括約翰·亞當斯、朱利安·安德森（英語：Julian Anderson）、亨利·杜替耶、布萊恩·芬尼豪赫、喬納森·哈維（英語：Jonathan Harvey (composer)）、詹姆斯·麥克米蘭（英語：James MacMillan）、米高·尼曼、羅克珊娜·帕努夫尼克（英語：Roxanna Panufnik）、埃諾約哈尼·勞塔瓦拉和約翰·塔文納）。對於西方古典音樂的最新趨勢[4]，大家共識上皆認為不應偏向任何一個特定的風格，反而應鼓勵發展自我的獨特音樂風格。這些作曲家的作品代表了這個世紀音樂的不同方面，但是他們都得出了相同的基本結論：音樂太過多樣化以至於無法分類或限制。杜替耶在接受雜誌採訪時，他認為「音樂只有好與壞之分，不管是嚴肅的還是流行的」。21世紀的音樂大多是後現代主義的，吸收了許多不同的風格（英語：Polystylism），且對折衷主義（英語：Eclecticism in music）開放[4]。然而，鼓勵公眾聆聽當代音樂仍然是一項艱鉅的任務[5]；事實上，印度古典音樂亦面對着同樣情況[6]。

音樂風格和影響

後現代主義繼續影響着21世紀的作曲家[7]。20世紀發展起來的風格包括：極簡主義（菲利普·格拉斯、米高·尼曼和斯蒂夫·萊奇） 、後極簡主義（英語：Postminimalism）（路易斯·安德里森、加文·布萊爾斯（英語：Gavin Bryars）、約翰·麥圭爾（英語：John McGuire (composer)）、寶琳·奧利維洛（英語：Pauline Oliveros）、朱莉婭·沃爾夫（英語：Julia Wolfe））、新複雜主義（英語：New Complexity）（詹姆斯· 狄龍（英語：James Dillon (composer)）、布萊恩·芬尼豪赫）和新簡單主義（英語：New Simplicity）（沃爾夫岡·里姆）。

多元風格主義（英語：Polystylism）和音樂折衷主義（英語：Eclecticism in music）是21世紀的發展趨勢[4]。它們結合了不同音樂體裁的元素和作曲技巧，通常與作曲家自身的文化背景不同，形成一個統一和連貫的作品體系。作曲家通常是從一個流派開始他們的音樂生涯，後來慢慢接納或轉變至其他流派，同時亦保留先前流派中的重要元素。在某些情況下，現時被稱為「古典」的作曲家可能是從另一個流派開始的。舉個例子，約翰·佐恩（英語：John Zorn）的音樂很難被介定為一個特定的音樂流派：他從一個行為藝術家出發，經歷了各種流派，包括爵士、硬蕊龐克、電影音樂和古典音樂，且經常帶有猶太音樂的元素。這些不同的風格都出現在他的作品中[8]。朱利安·安德森（英語：Julian Anderson）的作品融合了多種不同音樂流派的元素和手法。現代主義元素、光譜音樂（英語：Spectral music）和電子音樂與東歐民間音樂元素相結合，產生的作品亦往往受到印度拉格斯形態的影響[9]。他的大型作品《時時刻刻》（Book of Hours）於2005年首次上映，該作品收錄了20名演奏家和現場電子音樂的首演。坦西·戴維斯（英語：Tansy Davies）的音樂也融合了流行音樂和古典音樂的元素，王子和伊阿尼斯對其音樂有着重要影響[10]。卡蒂·艾格（英語：Kati Agócs）於2015年為合唱團和管弦樂團創作的作品《德布勒森的激情》圍繞着Szilárd Borbély（英語：Szilárd Borbély）的詩歌背景[11]，充滿了中世紀拉丁語、匈牙利語和格魯吉亞語的神秘文本，以及一段卡巴拉祈禱文[12]。

作曲家受到世界各地的影響。2002年，拉蒙特·揚、瑪麗安·扎澤拉與其弟子Jung Hee Choi（英語：Jung Hee Choi）一同創立了Just Alap Raga樂團（英語：Just Alap Raga Ensemble），演奏印度的基拉那（英語：Kirana gharana）古典音樂，並融合了西方和印度古典音樂的傳統，拉蒙特將自己的創作方法運用到傳統的Raga表演、形式和技巧中[13]。

其他作曲家亦汲取了不同文化和宗教的影響。如約翰·塔文納從東方神秘主義和東正教音樂中汲取靈感[14]，而詹姆斯·麥克米蘭（英語：James MacMillan）亦受到蘇格蘭音樂（英語：Music of Scotland）和他自己的羅馬天主教信仰的雙重影響[15]。至於更為抽象的形式來說，作為虔誠東正教信徒的古拜杜麗娜，其作品中亦表現了一些宗教和神秘的聯想，電子音樂、命理學、不常見的樂器和即興技巧對他的影響也十分明顯[16]。而在康拉德·博默（英語：Konrad Boehmer）的許多作品中，馬克思主義歌曲是其作品的基本素材[17]。羅馬·圖洛夫斯基-薩夫丘克（英語：Roman Turovsky-Savchuk）深受其烏克蘭傳統和巴洛克音樂的影響。他為魯特琴、奧瑪里昂（英語：Orpharion）和托邦（英語：Torban）作曲，是音樂歷史主義（英語：Musical historicism）的倡導者，也曾與漢斯·科克曼斯（英語：Hans Kockelmans）和由朱利安·基蒂斯蒂特（英語：Julian Kytasty）所領導的紐約班杜拉樂團（英語：New York Bandura Ensemble）合作[18]。譚盾則知名於其在電影《臥虎藏龍》和《英雄》中的配樂，他試圖在他的作品中將佛教、基督教和其他文化聯繫起來。他的作品亦經常包含視聽元素[19]。

作曲家亦從其他來源獲得靈感。約翰·路德·亞當斯（英語：John Luther Adams）（阿拉斯加環保人士，與本文其他的約翰· 亞當斯沒有任何關係）的音樂靈感來自大自然，尤其是他家鄉阿拉斯加的大自然。他獲得普立茲獎的交響曲《成為海洋（英語：Become Ocean）》靈感來自於氣候變化[20]。安德魯·諾曼（英語：Andrew Norman (composer)）的《法蘭克的房子》試圖喚起人們對法蘭克·蓋瑞在聖塔莫尼卡房子建築風格的聯想[21]。

厄特沃什·彼得在他的音樂中使用了各種音色和聲音世界。諸如過壓弓弦的延伸技巧與抒情民歌和合成聲音共存[22]。

作曲家甚至創造了混搭音樂，這在流行音樂中更常見。傑里米·薩姆斯（英語：Jeremy Sams）的《魔法島（英語：The Enchanted Island (2011 opera)）》就是一個例子: 他借鑒了韓德爾、維瓦爾第、拉莫和其他巴洛克作曲家的作品，創造了一種拼貼（英語：Pasticcio）與音樂拼貼相結合的風格，也在舞台和服裝幾方面融合了巴洛克和現代的元素。根據《西方音樂史》，「它質疑作者和原創思想，使它成為一個徹底的後現代作品」[23]。

歌利亞夫（英語：Osvaldo Golijov）的音樂經常將古典、現代和流行的傳統融合在一件作品中，同時兼有對比鮮明的風格—這是二十世紀六十年代以來音樂的一個重要趨勢[23]。

歌劇

約翰·亞當斯、喬治·本傑明（英語：George Benjamin (composer)）、奧斯瓦爾多·歌利亞夫（英語：Osvaldo Golijov）、克里斯特巴爾·哈爾夫特（英語：Cristóbal Halffter）、詹姆斯·麥克米蘭（英語：James MacMillan）、埃諾約哈尼·勞塔瓦拉（卒於2016年）、凱婭·薩里阿霍、卡爾海因茨·史托克豪森·威爾（卒於2007年），以及朱迪斯·威爾（英語：Judith Weir）都在這個領域作出重要的貢獻。

室內歌劇是二十世紀中葉發展起來的一種重要的歌劇形式。相比起傳統歌劇使用較小的聲音。21世紀的例子包括托賓·斯托克斯（英語：Tobin Stokes）的《寶琳》（劇本由瑪格麗特·愛特伍所著）、哈里森·伯特威斯爾的《走廊》、湯姆斯·馬可（英語：Tomás Marco）的《極地之旅》和菲利普·格拉斯的《聲音》。

歌曲及合唱音樂

亞當斯的《靈魂的輪迴（英語：On the Transmigration of Souls）》（2002年）是紀念2001年九一一襲擊事件[23]受害者的合唱作品（他因此在2003年贏得了普立茲音樂獎）[26]。羅克珊娜·帕努夫尼克（英語：Roxanna Panufnik）最近的作品包括《名字之歌》和《一切都會好起來》。

歌利亞夫的《聖馬可受難曲》、古拜杜麗娜的《聖約翰受難曲》、譚盾的《水之受難曲》和沃爾夫岡·里姆的《神之受難曲》都是為史特加國際巴哈學院（英語：Internationale Bachakademie Stuttgart）的「受難2000」項目而創作的，以紀念巴哈逝世250週年。作為猶太人和拉丁美洲人的歌利亞夫對受難有另類的見解：他所創作的作品借鑒了頗受非洲影響的古巴和巴西傳統、法蘭明歌舞和巴洛克音樂，通過聲音、舞蹈和動作將故事演繹成一種儀式。[23]

亨利·杜替耶（卒於2013年）最後的作品包括《通信》和《時間與鐘（英語：Le temps l'horloge）》，兩者皆是聲樂套曲。

管弦樂作品

阿福·佩爾特第四交響曲《洛杉磯》是他第一部1976年後寫成的交響曲，也是他第一部專注於大規模樂器鐘鳴作曲法的作品[27]。

奧利佛·克努森為平夏斯·祖克曼創作的小提琴協奏曲Op.30於2003年首演[28]。

詹妮弗·希格登（英語：Jennifer Higdon）的《藍色大教堂（英語：blue cathedral）》於2000年首演，是一首單樂章管弦樂交響詩，現為其中一首演奏次數最多的21世紀初作品。這首歌是為了紀念她的弟弟而寫的，長笛（她的樂器）和單簧管（弟弟的樂器）在高音區中對話。這部作品喚起了比德布西更接近現代主義形式的作品：弦樂器和銅管樂器的平行三和弦；音高集（英語：Set (music)）的變化劃分出如樂句般等音樂單元，並提供和諧進行的感覺；配搭著德布西獨特的管弦樂色彩[23]。

塞繆爾·阿德勒（英語：Samuel Adler (composer)）在本世紀創作的管弦樂作品包括：《通往理解之橋》（2008年）、《大自然合奏》（2009年）、《漂流在風與洋流》（2010年）和《在巴哈的精神中》（2014年）[29] 。

喬納森·哈維（英語：Jonathan Harvey (composer)）的《全身曼陀羅》（2006年）和《說話》（2008年）[30]、安娜·克萊恩（英語：Anna Clyne）的《夜渡（英語：Night Ferry (composition)）》、艾略特·卡特的《管弦樂三幻影》，克里斯托弗·蒂奧法尼迪斯（英語：Christopher Theofanidis）的《虹光身（英語：Rainbow Body）》、彼德·麥士維·戴維斯的第八交響曲（英語：Symphony No. 8 (Davies)）（2001年），第九交響曲（英語：Symphony No. 9 (Davies)）（2012年）和第十交響曲（英語：Symphony No. 10 (Davies)）（2013年）、以及珀爾·納爾戈爾的第七交響曲（2006年）和第八交響曲（2011年）也是這個世紀中其他一些重要的管弦樂作品。

室內音樂及器樂

艾略特·卡特（卒於2012年）自2000年以來為室樂團和獨奏家寫了大量的音樂作品。這些作品包括為《鐘鳴敲擊樂六重奏》、為小號、長號、敲擊樂、鋼琴、小提琴和大提琴而寫的弦樂三重奏：《雙重三重奏》、為兩支單簧管而寫的《肥沃》，以及幾首為獨奏者而寫的《追溯》、《虛構》系列和鋼琴獨奏：《兩個想法》。他的鋼琴獨奏作品《懸鏈線》（2006年）喚起了蕭邦的降B小調奏鳴曲和20世紀序列主義的質感[23]。

史托克豪森的最後一個大型作品《聲》，是由當時未完成的聲樂套曲，一共二十四個作品組合而成，主要亦是由室內音樂作品組成。

自2000年以來，較為值得一題的弦樂四重奏包括：

戴維斯生前留有一份未完成的弦樂四重奏Op.338，其中只有第一樂章已經完成。

德國作曲家沃爾夫岡·里姆亦不斷創作出一個又一個的弦樂四重奏，首先是第12號四重奏（2001年）、《名存實亡2》（2002年）、《四重奏研究》（2003-04年），又訂正第11號四重奏（2010年）和創作出第13號四重奏（2011年），以及另一個小型作品《束縛之中》（2014年）。奧地利的格奧爾格·弗雷德里克·哈斯創作了自己第三（《三個星期。點頭》，2003年）和第四弦樂四重奏（2003年），匈牙利作曲家庫塔格·捷爾吉也擴展了他的四重奏系列（但未有為其編號），包括《六個瞬間音樂會》（1999-2005年），《向雅各布・奧布里奇致敬》（2004-2005年），又和小格奧爾格·弗雷德里克·哈斯合作推出《對話》電子音樂弦樂四重奏（1999-2006年）。

電子音樂

電子音樂、電聲音樂（英語：Electroacoustic music）和計算機音樂（英語：Computer music）是20世紀音樂的先驅，且在21世紀中繼續發展。卡爾海因茲·史托克豪森是早期電子音樂發展的主要人物之一，他在2005至2007年期間創作了自己最後一部電子音樂作品—《宇宙脈衝》和由此衍生出來的8個作品—並以之作為其聲樂套曲《聲》的第13至21個作品。

馬里奧·大衛朵夫斯基擴展了他《同步》系列，並在現場表演中融合了聲學樂器和用磁帶播放的電聲音樂。其他作曲家包括梅森·貝茨（英語：Mason Bates）、尚‧克勞德‧艾洛瓦（英語：Jean-Claude Éloy）、魯爾夫·吉哈爾（英語：Rolf Gehlhaar）、喬恩·哈塞爾（英語：Jon Hassell）、約克·霍勒（英語：York Höller）、漢斯比特·凱布爾茲（英語：Hanspeter Kyburz）、梅西亞斯·邁瓜斯卡（英語：Mesías Maiguashca）、菲利普·馬諾里（英語：Philippe Manoury）和傑拉德·佩普（英語：Gérard Pape）都活躍於這個領域。貝茨的《B面（英語：The B-Sides (composition)）》由五個樂章組成，並以Electronica和管弦樂隊演奏的交響曲，而哈塞爾的音樂亦利用了不同尋常的電子小號聲音。

多媒體與音樂

古典音樂作曲家亦繼續創作電影音樂，其中比較著名的有菲利普·格拉斯（此時·此刻、戰爭生活（英語：Naqoyqatsi）、以及醜聞筆記（英語：Notes on a Scandal (soundtrack)））、米高·尼曼（Everyday（英語：Everyday (film)））、約翰·威廉士（哈利波特電影系列、奪寶奇兵之水晶骷髏國，以及星球大戰：原力覺醒）。

除了電影作曲家和上面提到的朱迪斯·威爾之外，其他作曲家已經擁抱了21世紀日益增長的技術進步。

托馬斯·阿德斯的作品《七天（英語：In Seven Days）》（2008年）是為鋼琴、管弦樂隊和六塊顯示屏而作。影片片段由阿德斯的民事伴侶合夥人塔爾•羅斯納（英語：Tal Rosner）製作[31]。2011年，為管弦樂團和五個螢幕而創作的《北極星》發佈[32]。

2008年，譚盾（知名於《臥虎藏龍》的配樂）受Google委託創作第1號互聯網交響曲——《英雄》 ，由Youtube交響樂團協作演出。這部作品利用互聯網招募樂團成員，最終被編製成混搭視頻，在YouTube上全球首演[19]。

另一位21世紀音樂的著名作曲家魯多維科·伊諾第融合了古典音樂、民謠音樂、流行音樂、搖滾音樂和世界音樂。多元風格主義（英語：Polystylism）和音樂折衷主義（英語：Eclecticism in music）是其作品的核心。1996年，他憑藉鋼琴專輯《遠大前程》一舉成名，至今在英國和意大利仍廣受歡迎。他的最新作品是為鋼琴、電子學和管弦樂隊創作的《元素》（2014年） ，他還為《這就是英格蘭》（2006年）及其續集（2010年、2011年和2015年）創作電影音樂，為《黑天鵝》（2010年）創作預告片音樂，並為古典專輯《烏娜·瑪蒂娜（英語：Una Mattina）》（2004年）創作專輯。他的專輯《時光流逝（英語：In a Time Lapse）》於2013年1月21日發行，在美國和加拿大巡迴演出[33]。

作曲家

重要作曲家包括尼科·穆利、埃里克·惠塔克（英語：Eric Whitacre）、邁克爾·芬尼西（英語：Michael Finnissy）、保羅·科斯塔·利馬（英語：Paulo Costa Lima）、馬格努斯·林德伯格（英語：Magnus Lindberg）和米歇爾·范德亞（英語：Michel van der Aa）。

女性作曲家

羅克珊娜·帕努夫尼克（英語：Roxanna Panufnik）在前面提及的 BBC 採訪中表示:

在過去的幾十年來，社會對女作曲家的態度開始轉變。 即使女性開始從事職業生涯之後，她們還需要一段時間才能找到作曲家的工作，但最終我們達到那裏，這得益於朱迪思·威爾（英語：Judith Weir）、尼古拉·雷法勞（英語：Nicola Lefanu）（原文如此）和西婭·馬斯格雷夫（英語：Thea Musgrave）等人作榜樣。 像彼德·戴維斯和艾米莉霍爾（英語：Emily Hall）這樣的年輕人將在未來十年對新音樂界產生巨大影響。[34]

其他本文未曾提及的重要21世紀女性作曲家包括：查雅・策諾文（英語：Chaya Czernowin）、陳銀淑、加布里埃拉・萊娜・弗蘭克（英語：Gabriela Lena Frank）、麗莎・林（英語：Liza Lim）、梅瑞狄斯・蒙克（英語：Meredith Monk）、奧努特・納布泰特（英語：Onutė Narbutaitė）、奧爾加・紐沃思（英語：Olga Neuwirth）、麗貝卡・桑德斯（英語：Rebecca Saunders）、琳達・卡特林・史密斯（英語：Linda Catlin Smith）、瓊・陶爾（英語：Joan Tower）及阿嘎塔・祖貝爾（英語：Agata Zubel）。

已逝世重要作曲家

幾位活躍於20世紀的重要作曲家在21世紀初去世。已經提及過的包括：杜替耶、麥士維·戴維斯、勞塔瓦拉、史托克豪森和塔弗納。此外，還有瑪麗揚安娜·阿馬徹（英語：Maryanne Amacher），一位裝置藝術家和實驗作曲家；米爾頓·巴比特，其最終作品是在2004年一個為管弦樂團寫的歌曲、室樂和協奏曲；漢斯·維爾納·亨策的歌劇《戴勝和孝順愛的勝利（英語：L'Upupa und der Triumph der Sohnesliebe）》於2003年首演，隨後於2003年為大型管弦樂隊寫了《塞巴斯蒂安的夢想（英語：Sebastian im Traum）》和2007年的歌劇菲德拉（英語：Phaedra (opera)）；彼得·利伯森（英語：Peter Lieberson）為敲擊樂器和管弦樂隊而寫的Shing Kham（2010-11年）在他去世後由奧利佛·克努森和德揚·巴登賈爾（英語：Dejan Badnjar）完成；約翰·麥凱布（英語：John McCabe (composer)）的最終作品包括第七交響曲《迷宮》和室樂；伊曼紐爾·努涅斯（英語：Emmanuel Nunes）的中提琴作品《黑手》（2006-07年）取材自自己的歌劇《童話故事》；而彼得·斯克爾索普的鋼琴曲《家中想法》原是打算在澳新軍團日（2015年）演出的加里波利交響曲的一部分。

其他重要的廿一世紀作曲家

有些活躍但未曾提及的作曲家包括：

廿一世樂音樂的演奏

在20世紀早期，通常新音樂只會為小圈子的音樂家而寫和演奏：荀白克創立了的私人音樂表演學會（英語：Society for Private Musical Performances）只限會員參與，排除了一些只為「尋求感覺」的大眾，或是其他組織的成員參與，例如是瓦雷澤所創辦、卡爾·拉格爾斯所倡導的國際作曲家協會（英語：International Composers' Guild）的，同樣地被視為精英[35]。在20世紀下半葉，隨著作曲家們再次開始接受更廣泛的公眾，這種情況開始改變。

在21世紀，有許多希望促進新音樂的音樂家和團體出現：

參考資料

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參見

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